Una buena banda sonora no sólo acompaña a una película sino que, partiendo de un buen material visual, llega más lejos: la eleva. Sherlock Holmes ofrece precisamente una música de este calibre. A cargo del veterano compositor Hans Zimmer, cuyo trabajo suele ser de buen nivel pero con tendencia a autocopiarse, o “canibalizarse”, nos ofrece en esta ocasión algo único y fascinante. Si algún titular de prensa le va que ni pintado a la BSO de Sherlock Holmes es el de: desafiantemente desafinada, increiblemente acertada.

Una película como la de Guy Ritchie, con esa mescolanza de géneros: acción trepidante, aventura, drama en los momentos de introspección, suspense y fino humor, con el perfil de un personaje extraño y complejo de por medio, requería una música especial. Se imponía el reto de introducir la imagen de un Sherlock Holmes nada ortodoxo en comparación con el de la iconografía clásica, arraigado en el imaginario popular; un Holmes excéntrico, irreverente y, hasta cierto punto, incómodo.

Para la música del filme, Ritchie contó con el compositor Hans Zimmer, con una gran afinidad por la ciudad y su patrimonio cultural, pues ahí arrancó su carrera, que se percibe en la composición resultante. El genio del compositor explosiona, literalmente, en su personal apuesta de crear una melodía entretenida y ‘poco común’ para este Sherlock Holmes. Cuando leí por primera vez que Zimmer estaba haciendo una película de Guy Ritchie me picó la curiosidad. Ritchie es conocido por hacer uso, en la mayor parte de su filmografía, de muchas canciones y poca o ninguna música. Así que, ¿por qué iba a contratar a un compositor que es conocido por hacer bandas sonoras y hacerse cargo de la narración de la película con su música? No sé porqué, pero me alegro de que ésto haya sucedido. El score es tremendo.

Hace algunos años, cuando le dedicaba bastante más tiempo a eso de la escritura creativa, engendré un microrrelato de terror del que me siento bastante orgulloso. Se trataba de suscitar el interés inicial sin contar demasiado, tener en vilo al posible lector y llegar a un final donde la premisa básica era: no todo es lo que parece. ¿Lo básico? Incitar a imaginar, provocar la angustia, simpatizar con la “víctima”.

Recientemente descubrí un cortometraje de terror que me hizo recordar todo aquello; un cortometraje estupendo, por cierto: A Través del Ocaso (Beyond Twilight). No lo dudé ni un instante y me puse en contacto con su autor.

Lo firma Javier Yáñez Sanz en su segunda incursión en el formato, tras su primer cortometraje: La Habitación Estática.

Ya han pasado ¿once años? desde que el compositor James Horner y el visionario director de cine James Cameron colaboraran en Titanic, una película en la que Horner ganaría dos Oscar, dos Globos de Oro y un Grammy por su música. Y de esta guisa, las expectativas son razonablemente altas para la reunión creativa de la pareja en la película de ciencia-ficción Avatar. ¿Es tan buena la BSO como hemos estado esperando? Sí.

Entre notas y bambalinas

Horner idea para Avatar una música profunda que subyace como un perfecto telón de fondo auditivo en la epopeya étnica, y dramática, de Cameron. Sería negligente, sin embargo, si no me refiriera, primero, al supuesto defecto que con frecuencia se atribuye a James Horner ... Él canibaliza su propia obra hasta el extremo. Uno puede recordar lo mucho que el “score” de Titanic sonaba como Braveheart; particularidad que, viniendo a cuento, se atribuye también a otros geniales compositores, como Hans Zimmer. En efecto, sustituímos los elementos celtas por influencias tribales, amplificando al máximo el factor de orquesta, y tienes Avatar. Si eso es un problema para alguien, o no, puede depender del gusto personal de cada cual o de su nivel de esnobismo musical. Pienso que la familiaridad acústica del filme nos ayuda, en realidad, a que no nos parezca demasiado ajena, manteniéndola accesible; y bueno, si no está roto no lo arregles. Horner sabe cuales son sus fortalezas, y si pocos se exclamaron con Titánic cuando replicaba momentos de Braveheart, porque habrían de hacerlo ahora (¿por aquello de que Avatar, como película, les decepcionó?).

El anuncio de las recientes nominaciones oficiales a los Premios Oscar 2010 ya empieza a dinamizar el mundo del espectáculo, y consiguiente negocio, que suele acompañarlas. El mundillo del cine se percibe inquieto, y todos desean salir en la foto. Unos aplauden esta u otra nominación, los otros critican o cuestionan los méritos de aquel filme o de esa interpretación de más allá. Los que no están, se exclaman por la injusticia y el supuesto trato discriminatorio de la crítica, y tal o cual jurado de determinado festival o academia de cinematografía nacional; los que sí, ensayan su mejor sonrisa de modestia, por aquello de que no se les note demasiado su particular estado de euforia y catarsis personal. Ellos valen eso..y más.

Aquí, en España, la cosa no ha acompañado demasiado bien las aspiraciones de nuestra industria en las nominaciones de los Oscar. Desgraciadamente, la, algo indigesta, propuesta de Trueba, y su ‘Baile de la Victoria’, nos ha sido devuelta con un réquiem por la derrota de su invisibilidad, abofeteando la opinión, que algunos denuncian de absoleta, de la Academia de Cine Español a la hora de designar su “elegido para la gloria”. Antes de eso, un enfadado Pedro Almodovar, despotricaba por lo que considera una conjura, puede que “judeomasónica”, de esta misma institución hacia él y su cine (por ese orden), aunque sus aspiraciones d’enfant terrible y valido del cine de autor se vieran frustradas, también, en los recientes premios de Cine Europeo, que consideró mejor opción La Cinta.. de Haneke, en su virtuoso ejercicio de “cahierismo” enlatado, para lo bueno y para lo malo, hasta que..

A un tiro de piedra de las nominaciones oficiales y posterior entrega de premios en la 82 edición de los Oscar, tengo la impresión que lo mejor de la cinematografía del año 2009 nos lo ha brindado las producciones relacionadas con el mundo de la animación. Resulta muy gratificante la abundancia, diversidad y calidad de títulos que se han sembrado en cartelera el curso pasado: Up, Ponyo en el Acantilado, Los mundos de Coraline, Vals con Bashir, Lluvia de Albóndigas, la española Planet 51, El Fantástico Mr. Fox, y muchas más. Todavía es algo pronto para que conozcamos las cintas nominadas definitivamente, aunque la recta final está muy reñida.

Pero no sólo en el “formato largo” late la virtud de los “dibus” en la pantalla grande. Los cortos de animación han sido también innumerables, y de gran porte visual, durante el 2009. De momento, también se disputan la nominación 10 filmes de diversa naturaleza, entre las que mencionaré la también precandidata española: The Lady and the Reaper (La Dama y la Muerte), del director Javier Recio Gracia de Kandor Graphics, de la que tengo la intención de hablaros próximamente.

No es un festival de género ni de cine de autor consagrado, tampoco premia lo mejor según criterios de reconocimiento comercial, es, simplemente… Sundance. El Festival Cinematográfico de Sundance surge en 1983, a iniciativa de Robert Redford (de ahí su nombre, “Sundance” Kid, inspirado en uno de los dos papeles protagonistas que él interpretó, junto con Paul Newman) con el objetivo de mostrar, y premiar, el trabajo de jóvenes creadores; como Quentin Tarantino y los hermanos Cohen, que le deben mucho al festival.

Actualmente, su prestigio está más que consolidado y su criterio independiente fuera de toda duda. De hecho, es una cita y referencia obligada para todo cinéfilo en busca de novedades, películas y directores, de calidad. El Festival de Cine independiente más importante del mundo.

En esta edición 2010, de nuevo, han llovido las sorpresas. Filmes que partían a priori con una cierta posición, digamos, aventajada, como el thriller psicológico 7 Days (Les 7 jours du talion) de Daniel grau, el “survival horror” acrofóbico Frozen, la película Buried del español Rodrigo Cortés (y protagonizado por Ryan Reynolds), o Howl con James Franco, no se han llevado el gato al agua.

A partir de aquí, la dimensión desconocida…El nombre de los premiados no nos suenan familiares, pero pronto oiremos hablar de ellos. Entre las perlas, cabe destacar Winter’s Bone de Debra Granik,  Zona Sur de Juan Carlos Valdivia, Animal Kingdom y Contracorriente. Ahí van algunos de los galardones más importantes:

Era inevitable. Toda la mítica parada de monstruos de la Universal de los años 1930 a 1940 ha sido objeto de “revival”, fueran remakes, revisiones del mito u homenajes, realizados con mayor o menor fortuna: El estupendo y revisado clásico literario Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola, 1992), el menos redondo Frankenstein de Mary Shelley (Kenneth Branagh, 1994), la aventurera versión de la Momia (Stephen Sommers, 1999) y El Hombre Lobo.

Con los años, ha habido numerosos encuentros de cine con la “licantropía”, como las ya clásicas referencias de John Landis (Un Hombre Lobo Americano en Londres, 1981) o la propuesta ochentera que nos trajera Joe Dante (Aullidos, 1980), alimentada a posteriori con toda una larga e irregular saga pulp que repetía el esquema. En Compañía de Lobos (Neil Jordan, 1984), en cambio, articularía el mito en base a una curiosa relectura, algo intrincada, del cuento de Caperucita. Más recientemente, el Lobo de Jack Nicholson (Mike Nichols, 1994) revitaliza el mito con unos interesantes matices, y logradas analogías, del hombre moderno inmerso en una sociedad competitiva. Pero el hombre lobo cinematográfico por excelencia, tal y como lo conocemos, debe tanto a la cinta The Wolf Man (George Waggner, 1941) como los vampiros a su padre literario: el Drácula clásico. Él es único. Desde la saga filmográfica de los años 40 interpretada bajo el abrigo de Lon Chaney Jr., en el papel de Lawrence Talbot, nadie había recogido el guante...hasta ahora. Al aceptar el papel, Benicio Del Toro –también productor del filme- no está interpretando a un hombre lobo más, que está sufriendo la maldición de serlo. Para la mayoría de los fanáticos del cine de horror, durante mucho tiempo, el retrato de Lon Chaney, del Talbot torturado y su salvaje alter-ego, es un referente obligado difícilmente obviable como imagen de la maldición del “monstruo”. El fracaso de Benicio Del Toro en su intento de hacer suyo el icono, por lo tanto, podría ser desagradable, pero no completamente inesperado. Es difícil trabajar a la sombra de las iconografías creadas por Karloff, Bela Lugosi, o Chaney, pero inevitable cuando se vuelve a hacer una de sus películas.

Abrir la boca. Introducir el cañón de la pistola en ella y, una vez dentro, inclinarlo ligeramente apuntando hacia arriba, en dirección a la cabeza. Muerte segura. Esto no es el tipo de cosas que enseña un padre a su hijo.

Sin embargo, en La Carretera (The Road), adaptación digna del realizador John Hillcoat de la novela ganadora del premio Pulitzer, de Cormac McCarthy, las únicas lecciones a enseñar entre un padre sin nombre y su hijo son extremas. Las pocas personas que han sobrevivido a un misterioso cataclismo se han convertido en depredadores. Hay poca comida, y así los seres humanos se están comiendo…los seres humanos. Los están violando, saqueando, matando. La lección: el suicidio es un último recurso; una opción preventiva, antes de que la fatalidad te de alcance.

La película de John Hillcoat sigue con fidelidad el contenido de su fuente original, la historia que cuenta el libro. Viggo Mortensen desempeña el papel de un padre -se refieren a él sólo como el Hombre – vagando en un mundo post-apocalíptico con su hijo, el Chico (Kodi Smit-McPhee). Este es un mundo en el que lo impensable ha sucedido, aunque nunca se especifica exactamente que es lo impensable. De hecho, no hace falta: Todo lo que vemos son los efectos. Los animales parecen haber muerto, y la vida vegetal agoniza, también. Ciudades y pueblos quedaron abandonados y se derrumban con el paso del tiempo. Y las carreteras, que en el pasado fueron cuidadosamente construidas por el hombre como el tejido conector de la civilización, son ahora controladas por bandas harapientas de supervivientes que han perdido todo vestigio de humanidad. Resta lo moribundo como protagonista del fatigoso contraespectáculo de las cosas dejando de existir. En La Carretera, el Hombre no sólo se empeña en enseñar a su hijo cómo sobrevivir, buscando comida o insistiendo en medidas básicas de supervivencia, sino que le enseña a conservar las mismas cosas que lo hacen - que nos hacen - humanos.

No me disculparé, ni arrepentiré, ni pensaré que los demás tienen peor razón que la mía. Hoy, aquí, sólo ejerzo de “exhibicionista” cinéfago (ni experto, ni crítico,…ni gaitas), aprovechando la ocasión de un espacio y una gente que confía en mí…Y si esto sirve de algo, sólo será para bien. Acaso capte la atención de algún transeúnte internauta desprevenido, puede que otro, un lector, se rinda a mis entusiastos cantos de embebecido cinéfilo, y ¡zas! caiga en la trampa de alguno de “mis Top 2009”.

Ah,…la maravilla del cine. Soñar despiertos y pretender, de vez en cuando, que la mejor película es la nuestra. O creerlo, que para eso no hacen pagar entrada y las palomitas del super son baratas.

Pues nada, nos vemos, o mejor leemos, entre crítica y crítica. Mientras tanto, haciendo tiempo, ahí os dejo mis 10 películas favoritas del 2009 (estrenadas en España) con alguna nota de BSO, recitando aquello que suele decir uno para curarse en salud: que dónde hay unas podrían estar otras. Verdad de perogrullo, claro, pero, a fin de cuentas, lección de sinceridad.

Y, por si las moscas…, comentar mi lista prioritaria de favoritos, que quedaron ahí, en el cajón de sastre, por una u otra razón: Malditos Bastardos, Frozen River, Celda 211 y Donde habitan los Monstruos.

Antes, cuando los directores de superproducciones épicas, como Cecil B. DeMille, empleaban un reparto de miles de extras y las tomas, fueran buenas o no, costaban una buena suma de dólares americanos, las “majors” se inquietaban, obviamente, por el coste de la hora del desayuno. En los tiempos que corren, las películas épicas tienen más probabilidades de proceder de países donde sus ciudadanos están acostumbrados a la disciplina y a recibir órdenes.

Hace un par de años, la ex Unión Soviética nos dio Mongol, su réplica a la épica cinta Hero, de Zhang Yimou. Ahora los chinos responden, en una suerte de reescalada armamentística, con Red Cliff (Acantilado Rojo), la película más cara de la historia de este país.