La unión de Kathryn Bigelow con el guionista Mark Boal nos descubrió a una cineasta bastante distinta de la que conocíamos hasta el momento, como si alguien con mucho talento despertase por fin del letargo en el que se había sumergido durante toda su vida. No es que la Bigelow hubiera sido nunca una mala realizadora, se veían destellos en el fascinante manejo de la tensión que se comprobaba a pinceladas en películas como Le Llaman Bodhi, pero a su obra le faltaba una implicación en cuerpo y alma que no apareció hasta la realización de The Hurt Locker. Aquella fue una obra distinta a cualquier otra película bélica hasta el momento centrada en el conflicto de Irak, lejos de realizar una obra sobre la grandiosidad de América en el campo de batalla, retrataba a los soldados como humanos, no héroes, cuyas heroicidades aparecían por la obsesión del reto personal. No era coincidencia que aquella película abriese con una cita de la novela “La guerra es la fuerza que nos da sentido” de Chris Hedges, que decía: “El ímpetu de la batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, porque la guerra es una droga”. Ya que esa afirmación era la que mejor definía a su personaje principal.

Lo cierto es que el protagonista de aquella el sargento Will James, brillantemente interpretado por Jeremey Renner, tiene mucho que ver con la Maya que protagoniza La Hora más Oscura. Will James era un completo drogadicto, necesitado de adrenalina continua, por mucho que eso pusiera en peligro a sus compañeros de batalla. No existía nada a lo que agarrarse, ni siquiera la perdida de ese chaval llamado Beckham le lleva a más allá que a la necesidad de buscar una continua tensión en cada una de sus acciones, a las que otros llaman heroicidades aunque no exista nada de ello. No sabemos lo que ha pasado en la vida de James para llegar hasta ese punto, le conocemos ya siendo un yonqui en el que la adicción cada vez va a más. En Maya, sin embargo, y sin necesidad de conocer nada de su vida personal, de su pasado, ni de lazos de unión, que no van más allá de amistades surgidas durante la guerra y arrancadas de cuajo.

Siguiendo los pasos que tomó Alexandre Aja, Pascal Laugier, también inicia sus viajes hacia las Américas sin abandonar el género de terror. Su anterior película, Martyrs, quizá sea el mayor exponente de la ola de “brutal gore” francés que ha reinado en el cine de género galo durante la última década. Aquella, marcada por el impacto visual, totalmente morboso que tenían otras obras de esa misma oleada como Frontière(s) o À l'intérieur, no se quedaba simplemente ahí. Jugaba con un pensamiento perturbador, que trastornaba por completo al espectador por su desolador aspecto realista. Martyrs iba virando durante todo su metraje, cada pequeño giro era más espeluznante que el anterior, ¿hasta qué punto es capaz el ser humano de hacer sufrir a otro sólo por encontrar las respuestas a todo lo que busca? Pocas escenas finales, se quedan grabadas de una forma tan salvaje en la mente del espectador como la mirada perdida de esa joven mártir.

En su nueva película, Laugier vuelve a tirar de la herencia de Martyrs, son muchos los puntos que las unen, y los giros y virajes siguen una dirección bastante similar. El realizador sigue preocupado por el afán de occidente de hacer lo que sea a cualquier precio, lo maquilla con formas de organizaciones secretos, y les da unos tintes que recuerdan bastante al nazismo. El hombre es el verdadero monstruo al final de cada historia. El Hombre de las sombras, nos vuelve a acercar al mito del Boogeyman. En un pequeño pueblo estadounidense, los niños desaparecen continuamente. En medio una madre que perdió hace poco a su marido, y que cuida de su hijo de una manera bastante sobreprotectora.

Si algún título ha despuntado con fuerza en la nueva ola de cine rumano fue sin duda 4 meses, 3 semanas y 2 días, la película con la que Christian Mungiu ganó en 2007 la palma de oro en el festival de Cannes. Aquel era un thriller aterrador ambientado en la dictadura de Ceaușescu, dónde dos jóvenes tenían que encontrar la manera para abortar clandestinamente. La polémica se cebó con ella con la provocadora imagen de un feto muerto, pero realmente la trascendencia del film de Mungiu iba mucho más allá. 4 meses, 3 semanas y 2 días era todo un alegato por la libertad, una crítica a la política dictatorial en la que se vio sumergida Rumania y de la que aún hoy quedan ecos en su sociedad. Ecos que son los que llegan a su nueva película, por qué aunque Más allá de las Colinas es una película muy distinta, lo que Mungiu expone no es tan lejano de aquello, la política aquí convertida en una creencia religiosa casi sectaria, la intolerancia hacia el distinto pensamiento. Pero aquí no hay juicios, ni aunque la crítica sea bastante obvia, todo queda en manos de un espectador que siempre observa los comportamientos de esos personajes que de una forma u otra nunca dejan de ser actos bienintencionados.

Alina y Voichita se criaron juntas en un orfanato. Ahora Alina ha vuelto de Alemania, pero su amiga ya es muy distinta a la que había dejado atrás, Voichita, sola en el mundo tras la desaparición de su compañera encontró refugio en un monasterio ortodoxo en las colinas. Alina la acompañará allí mientras trata de convencerla de que vaya a Alemania con ella. Su incapacidad para convencerla de que vuelva con ella, sumado al estupor del resto de las monjas y el rechazo del autoritario padre del monasterio, completamente intolerante contra aquellas personas que no comparten sus creencias, sumirán a Alina en un estado depresivo y trastornado. Algo que se llevará hasta el extremo cuando ante la incomprensión por parte de las hermanas y el padre de que alguien sencillamente puede ser distinto, lleven a asociar su comportamiento compulsivo con una posesión demoniaca.

Hay películas que parecen diseñadas para pasar por el gran escaparate de los Oscar. Es curioso que se siga intentando esto, grandes producciones hechas para ser premiadas, cuando se ha visto que las últimas que han seguido este modelo han fallado, y desde la última entrega de El Señor de los Anillos, ninguna película de las que podríamos llamar grandes ha ganado. El modelo ha cambiado, cobra más importancia la campaña de marketing que hay por detrás una vez estrenada la película que meses de promoción de “película de Oscar”. Los Miserables parece llorar y suplicar que quiere ganar un Oscar, que quiere ser una gran triunfadora, pasar a la historia rodeada de estatuillas doradas, el problema es que estos son los únicos llantos que se escuchan durante la película, algo imperdonable si tenemos en cuenta que el material con el que trabaja Hooper es de una alta capacidad emocional. Y es que esta épica ópera (aunque la disfracen de musical, el alma de Los Miserables es el de una ópera dónde los diálogos son cantados, y no existen números musicales per se en dónde los personajes se pongan a bailar) que lleva más de 30 años triunfando en los teatros de Londres y otros tanto en Broadway, requería de un traslado a la pantalla mucho más espectacular y emocional, dándole el sentido a la adaptación y buscando la espectacularidad que las tablas no pueden dar, pero respetando por completo el alma de la obra, algo en lo que sin duda fracasa.

El texto de Victor Hugo es de sobra conocido por todos, y en su formato tradicional, antes de que Claude-Michel Schönberg escribiera la partitura que acompaña a esta adaptación, fue adaptado en múltiples ocasiones, la última por Billie August con Liam Neeson en el papel de Jean Valjean. Una bella historia sobre un hombre martirizado y torturado durante diecinueve años después de robar una simple barra de pan. Que tras salir de la cárcel, y con la amenaza de tener que ser un paria toda su vida, condenado a una libertad vigilada, consigue, a través de un acto de buena fe encontrar que aún queda algo humano en él. A partir de ese momento Jean Valjean tratará de cambiar su vida, acogiendo también en sus brazos la vida de una joven, mientras que trata de huir jugando al gato y al ratón con su captor Javert. Como trasfondo, la lucha política, la revolución francesa que salpicó a la Francia del siglo XIX, un tema que no podía sentirse más actual. Amor, odios, guerra, venganza… Los Miserables es una obra magnífica, que en su primer salto al cine con la épica belleza de su musical tenía todos los ingredientes para ser la maravillosa película que no es.